INTO EXISTENCE

Mark Huebner – Ausstellung und Live Painting Performance

Eröffnung:
14. Juni 2025, 19:00 Uhr

Mit „INTO EXISTENCE“ präsentiert Yorck Dertinger im raumB1 eine eindrucksvolle Ausstellung des international renommierten Künstlers Mark Huebner, geboren 1966 in Frankfurt am Main. Zur Vernissage wird der Künstler mit einer begleitenden Live Painting Performance persönlich anwesend sein.

Mark Huebner ist bekannt für seine großformartigen Malereien, raumgreifenden Installationen und performativen Arbeiten. Sein künstlerisches Schaffen erstreckt sich über mehrere Jahrzehnte und Kontinente – ein Werk von außergewöhnlicher Bandbreite, das tief in die menschliche Erfahrung eintaucht. Es ist zutiefst existenziell, vielschichtig und visuell kraftvoll – eine Einladung an das Publikum, sich mit den großen Fragen des Daseins auseinanderzusetzen.

„Diese neuen großformartigen Werkreihen sind ebenso mystisch wie allegorisch. In MARK begegnen wir einem wahren Renaissance-Menschen…“
– Anthony Fawcett, britischer Kunstkritiker

Bereits 1989 gründete Huebner sein erstes Atelier auf der Münchner Praterinsel. In dieser Zeit entstanden monumentale Skulpturen aus Stahl, oft begleitet von expressiven Live-Performances. Internationale Ausstellungen und Kooperationen mit namhaften Künstler*innen folgten.

Im Jahr 2000 verlagerte er seinen Lebensmittelpunkt in den Regenwald Costa Ricas, wo er mit „Bamboo Rocks“ ein ökologisches Kunst- und Lebensprojekt gründete. Die enge Verbindung von Natur, Architektur und Kunst fand Ausdruck in „Ojo del Mar“, einem nachhaltigen Rückzugsort mit der höchsten Naturbau-Turmstruktur Zentralamerikas.

Heute lebt und arbeitet Mark Huebner zwischen dem Dschungel der pazifischen Küste Costa Ricas und Europa. Seine Malerei ist geprägt von energetischen Gesten, experimentellen Techniken und tiefen, meditativen Bildwelten. Sie öffnet Räume, in denen sich Intuition, Körperlichkeit und Reflexion begegnen.

Live Painting zur Eröffnung

Ein besonderer Höhepunkt der Vernissage ist die exklusive Live Painting Performance:

Mark Huebner erschafft im Moment – mit Körper, Farbe und Bewegung – ein Werk vor den Augen des Publikums. Dieser performative Akt ist mehr als ein künstlerischer Prozess: Er ist ein lebendiges Ritual, das Entstehung, Präsenz und Transformation vereint. Das Bild wird zur Bühne, der Malakt zur Erfahrung – intensiv, unvorhersehbar, sinnlich.

„Art begins where words fail.“ – Mark Huebner

INTO EXISTENCE reiht sich ein in die lange Tradition der Kunst als Spiegel und Gegenbild zur „Wirklichkeit“ – von den Höhlenmalereien bis zur Performance der Gegenwart.
Doch Mark Huebner geht darüber hinaus: Er zeigt, dass dort, wo die Sprache an ihre Grenzen stößt, die Kunst ihr eigentliches Terrain betritt – als archaische, körperliche und geistige Praxis des Begreifens.

INTO EXISTENCE
Mark Huebner – Ausstellung und Live Painting Performance

Eröffnung:
14. Juni 2025, 19:00 Uhr
raumB1, Bahnhofstraße 1, Utting am Ammersee

Weitere Öffnungszeiten:
So. 15., So.22., Fr. 27., So. 29. Juni, jeweils 16:00–19:00 Uhr

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Christoph Franke „Wie unten so oben“

Liebe Kunstfreund:innen!
Anlässlich der 4. Kreiskulturtage im Landkreis Landsberg am Lech vom 10. bis 25. Mai 2025 präsentiert Joerg Staeger im raumB1 in Utting am Ammersee:
Christoph Franke „Wie unten so oben“
Ein fotografisches Lauschen auf das göttliche Netzwerk der Natur – und auf uns selbst.

Vernissage Samstag 10.Mai 2025 um 20Uhr.

Die Welt ist in Aufruhr. Klimakrise, Kriege, soziale Spaltung, seelische Erschöpfung – das globale Gefüge scheint zu wanken, und mit ihm auch das Innere vieler Menschen. Was früher Halt gab, ist brüchig geworden. Beziehungen, Gemeinschaften, Werte. Orientierungslosigkeit breitet sich aus wie ein unsichtbarer Nebel.
In dieser Zeit des Wandels ruft uns Christoph Frankes fotografische Arbeit etwas in Erinnerung, das wir vielleicht längst vergessen haben: Dass es eine andere Form von Wissen gibt. Eine Weisheit, die nicht laut ist. Eine Sprache, die nicht auf Bildschirmen erscheint. Eine Ordnung, die nicht gemacht ist, sondern gewachsen.

„Wie unten so oben“ – der Titel dieser Ausstellung ist mehr als ein Zitat aus der alchemistischen Überlieferung. Er ist eine Einladung, die Welt als Spiegel zu begreifen. Was wir im Äußeren sehen, hat seine Entsprechung im Inneren. Was sich im Irdischen zeigt, verweist auf das Geistige.
So, wie die Baumkrone mit ihren fein verästelten Zweigen den Himmel berührt, so reichen ihre Wurzeln tief in die Erde. Oben und unten – sie sind kein Gegensatz. Sie sind Ausdruck eines einzigen, lebendigen Zusammenhangs.

Die stille Sprache der Bäume.

Sie leben seit Jahrtausenden – vernetzt, verbunden, tief verwurzelt in Erde und Licht. Was wir heute mühsam als neue wissenschaftliche Erkenntnis begreifen, ist in ihrem Sein selbstverständlich: Kommunikation, Austausch, Solidarität, Widerstandskraft. Über das unterirdische Pilzgeflecht, das sogenannte Wood Wide Web, senden Bäume Signale, teilen Ressourcen, reagieren auf ihre Umwelt.
Nicht im Wettbewerb. Sondern im Miteinander.

Christoph Franke begegnet diesen Wesen mit Demut. Seine Fotografien sind keine flüchtigen Momentaufnahmen – sie entstehen aus zahlreichen Einzelbildern, die in ihrer Tiefe spürbar machen, dass wir eingebunden sind in einen größeren, unsichtbaren Organismus. Indem er die Baumkronen auf den Kopf stellt, kehrt er die Perspektive um – und offenbart eine stille Wahrheit: Was wir für oben halten, könnte unten sein. Was wir außen suchen, beginnt im Inneren. Wie unten so oben. Wie innen so außen. Die Fotografien von Franke sind Spiegel.

Und sie sind Fragen: Was, wenn wir Menschen nicht isolierte Einheiten wären, sondern Teil eines lebendigen Ganzen? Was, wenn wir lernen würden, wieder zu lauschen – nicht auf die Geräusche der Welt, sondern auf die Rhythmen des Lebens? Wie kann ein verletzter Mensch – wie ein verletzter Baum – durch das Netz der Gemeinschaft getragen werden? In einer Welt, die laut ist, sprechen diese Bilder leise. Und vielleicht liegt genau darin ihre Kraft. Der französische Jesuit, Theologe und Naturwissenschaftler Pierre Teilhard de Chardin schrieb bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts:

„Wir sind keine menschlichen Wesen, die eine spirituelle Erfahrung machen. Wir sind spirituelle Wesen, die eine menschliche Erfahrung machen.“
Vielleicht ist es Zeit, diese Erfahrung zuzulassen. Nicht in der Ferne – sondern direkt vor uns. In einem Baum. In einem Bild. In uns selbst.

Christoph Franke „Wie unten so oben“

10. – 25. Mai 2025

Sa. 10.05. – Vernissage 20 Uhr

Öffnungszeiten

So. 11.05. 16 – 19 Uhr

So. 18.05. 16 – 19 Uhr

So. 25.05  16 – 19 Uhr

Wir bedanken uns bei Fienbork Design für die Gestaltung von Plakat und Einladungskarte.

raumB1
Ein Raum für Kunst, Kultur und Begegnung 
Bahnhofsplatz 1 
86919 Utting am Ammersee

Einladung zur Finissage mit Lesung – Amelie Ries

Liebe Freundinnen und Freunde des raumB1,

wir laden Euch herzlich ein zur Finissage der Ausstellung:
Amelie Ries – People I Have (Never) Seen Before
Samstag, 3. Mai 2025, um 19:00 Uhr

Zum Abschluss dieser leisen, tiefgründigen Ausstellung erwartet Euch ein Abend, an dem sich Bildende Kunst und Lyrik in besonderer Weise begegnen – zart, eindringlich und voller Resonanz.

Lesung mit Sabine Kastius – Langjährige Sprecherin beim BR und anderen Sendern,  Atem- und Sprechtrainerin, Literaturvermittlerin: Seminare im Haus Buchenried im Sept. 25. (https://www.sabinekastius.de/)

Sabine Kastius liest Gedichte von Rainer Malkowski, Wislawa Szymborska und Mascha Kaléko – Lyrik, die mit leiser Intensität das Menschliche berührt: das Übersehene, das Ungesagte, das Fragile. Texte, die fragen, was wir wahrnehmen – und was uns entgeht.

Wie die Werke von Amelie Ries (https://www.amelie-ries.de/) richten auch diese poetischen Stimmen den Blick auf das, was im Strom des Alltags oft unbeachtet bleibt: Begegnung, Erinnerung, Sichtbarkeit – und die stille Unsichtbarkeit des Einzelnen.

Zwischen keramischen Köpfen, abstrahierten Porträts und literarischen Fragmenten entfaltet sich ein leiser, eindringlicher Dialog über das Menschsein.

Samstag, 3. Mai 2025, 19:00 Uhr 
raumB1, Bahnhofstraße 1, 86919 Utting am Ammersee

Der Eintritt ist frei.
Wir freuen uns jedoch über einen wertschätzenden Beitrag zur Unterstützung der Lesung und der Ausstellungsarbeit. Mit Eurer Hilfe bleibt raumB1 ein Ort für Begegnung, Kunst und lebendigen Austausch.

Kommt vorbei – lassen wir diese besondere Ausstellung an diesem poetischen Abend gemeinsam ausklingen: mit bildender Kunst, Gesprächen und einem Glas Wein.

Mit herzlichen Grüßen

Joerg Staeger & das Team von raumB1

Amelie Ries – “People I Have (Never) Seen Before”

Liebe Kunstfreund:innen!

Der raumB1 in Utting setzt seine Frühjahrssaison mit einer eindrucksvollen Ausstellung der Künstlerin Amelie Ries fort.

Amelie Ries lebt in Issing, wo sich auch ihr Atelier befindet – einem kleinen Ort zwischen Ammersee und Lech, der für viele unscheinbar erscheinen mag, für sie jedoch der Ausgangspunkt einer intensiven künstlerischen Auseinandersetzung mit Identität, Wahrnehmung und gesellschaftlichen Strukturen ist.

Wen siehst du wirklich?

Menschen umgeben uns jeden Tag. Doch wie oft sehen wir wirklich hin? Wer bleibt unbemerkt? Wer wird übersehen? In einer Welt voller Eile, schnelllebiger Interaktionen und digitaler Reizüberflutung gehen viele Begegnungen verloren.

Mit ihrer Ausstellung „People I Have (Never) Seen Before“ lädt die Künstlerin Amelie Ries dazu ein, sich diesen Fragen zu stellen.

Ihre Arbeiten – darunter ausdrucksstarke Porträts, raumfüllende Installationen und keramische Objekte – reflektieren die Mechanismen sozialer Wahrnehmung.

Ihre abstrahierten Porträts thematisieren ungehörte, ungesehene und ungefragte Personen – sowohl am Rand der Gesellschaft als auch in unserem direkten Umfeld. Sie reflektieren soziale Distanz, aber auch das Potenzial neuer Begegnungen. In ihrer Auseinandersetzung erforschen sie das Verhältnis von Nähe und Distanz, Erinnerung und Vergessen. Die bewusst reduzierten Gesichtszüge laden dazu ein, die eigene Wahrnehmung und die Mechanismen der Aufmerksamkeit kritisch zu hinterfragen.

Besonders ihre Installation El Coro, bestehend aus hunderten schwebenden und liegenden Köpfen, konfrontiert uns mit der Anonymität der Masse. Wer sind diese Menschen? Waren sie schon einmal Teil unseres Lebens? Oder haben wir sie schlicht nicht wahrgenommen?

In Pending Thoughts hält sie 890 Gedankenfragmente auf 3.311 Keramikplättchen fest – geprägt und mit schwarzer Farbe hinterlegt. Über Monate hinweg entstanden diese Begriffe in einem intensiven, fast meditativen Prozess. Es sind Bruchstücke eines größeren Gedankengewebes, Splitter einer

fortwährenden Auseinandersetzung mit der Ausstellungsthematik.
Die Besucher sind eingeladen, Plättchen mitzunehmen und die Gedanken weiterzuführen.

Ries bewegt sich bewusst an den Schnittstellen zwischen Kunst, Soziologie und Psychologie. Die Ausstellung regt dazu an, den Blick zu schärfen, innezuhalten und echte Begegnungen zuzulassen. Es ist eine Einladung, das Unsichtbare sichtbar zu machen und darüber nachzudenken, wie sehr unsere Wahrnehmung von Gewohnheiten, Vorurteilen und gesellschaftlichen Normen geprägt ist.

Die Ausstellung läuft vom 11. April bis 3. Mai 2025 und ist ein Muss für alle, die sich für gesellschaftlich relevante Kunst interessieren.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Amelie Ries – “People I Have (Never) Seen Before” 
11. April – 3. Mai 2025

Fr. 11.04. – Vernissage 19 Uhr

Öffnungszeiten
Sa. 12.04. 15 – 18 Uhr
So. 13.04 15 – 18 Uhr
So. 20.04. 15 – 18 Uhr
So. 27.04 15 – 18 Uhr

Sa. 03.05. – Finissage 19 Uhr

Wir bedanken uns bei Fienbork Design https://www.fienbork-design.de für die Gestaltung von Plakat und Einladungskarte.

Isabelle Dyckerhoff – „Things I Do While Watching Paint Dry“

Der Winter neigt sich dem Ende, der Frühling steht vor der Tür – und mit ihm erwacht auch der raumB1 zu neuem Leben! Mit frischem Schwung starten wir in die Saison 2025.

Den Auftakt macht Joerg Staeger mit der Ausstellung:

Isabelle Dyckerhoff – „Things I Do While Watching Paint Dry“
14. März – 6. April 2025

Eröffnung: Freitag, 14. März 2025, um 18:00 Uhr

Wie kann man Farbe malen? Diese Frage erkundet die renommierte Künstlerin immer aufs Neue. Isabelle Dyckerhoff ist in erster Linie Malerin. Farben legen sich auf die Leinwand wie Spuren eines inneren Takts. Striche, Flecken, Felder – geordnet und doch frei, von klarer Struktur und dennoch atmend. Die Flächen verdichten sich, lösen sich wieder auf, lassen Raum für das Unbemalte. Gegenstandslos, minimalistisch, abstrakt. Isabelle Dyckerhoffs Malerei ist nicht das Festhalten eines Moments, sondern ein fortwährender Prozess – ein Stillstand, der in Bewegung bleibt.

Doch ihre Kunst geht über die reine Malerei hinaus – sie ist Prozess, ein beständiges Ringen mit Format, Oberfläche, Farbe, Material und Struktur.

Things I Do While Watching Paint Dry

Mit der Ausstellung von Isabelle Dyckerhoff eröffnet Joerg Staeger im raumB1 die Saison 2025 und setzt damit den Fokus nicht auf Malerei, sondern auf grundlegende künstlerische Prozesse: Setzung und Korrektur, Verdichtung und Freilassen, Kontrolle und Loslassen als dauerhaftes Experiment.

Bei einem Atelierbesuch stellte Dyckerhoff eine Arbeitsreihe vor, in der überraschenderweise nicht Leinwand und Farbe im Mittelpunkt standen, sondern andere Materialien und Techniken. Sie kommentierte es mit einem einzigen Satz: „Das ist, was ich tue, während ich der Farbe beim Trocknen zusehe.“

Warten als Teil des künstlerischen Prozesses

Der Ausstellungstitel ist zugleich Konzept. „Watching paint dry“ – im Englischen ein Synonym für Langeweile – bekommt in Dyckerhoffs Schaffen eine zweite Bedeutung. Denn das Warten auf die Trocknung der Farbe ist Bestandteil eines künstlerischen Prozesses.

„Ich kann nichts tun. Möchte aber unbedingt arbeiten. Also was tun? Tatenlos zusehen, wie die Farbe trocknet? Das bedeutet Leerlauf. Manchmal ausruhen. Manchmal Reflexion. Manchmal Langeweile. Bevor die Gedanken anfangen zu kreisen, ob Gelb in die obere Ecke muss, fange ich an, meine Linien, Kreise, Gitter und Raster zu ziehen: mit dem Pinsel und Aquarellfarbe, mit dem Stift in Ölfarbe, mit gerissenem Papier, mit Ton und Glasur und Draht.“

Zeichnungen, Objekte, serielle Strukturen

Ab Freitag, den 14. März, bis Sonntag, den 6. April 2025, zeigt der raumB1 Werke, die durch dieses künstlerische Denk-, Erlebens- und Arbeitsprinzip entstanden sind.

Zeichnungen, Papierarbeiten und Objekte entstehen nach ähnlichen Prozessen wie Dyckerhoffs Malerei: ein immer währendes Abwägen, das Risiko, bisher Gewonnenes zu verlieren, Korrektur und Zurückweichen, Spuren hinterlassen – ein fortwährendes Ringen.

Übermalen, hineinritzen, schreiben, kratzen – eine stetige Auseinandersetzung mit Material und Zeit. Physikalische Prozesse wie das Trocknen von Farbe oder das Brennen von Ton werden zu Symbolen für Geduld, Warten und Vergänglichkeit.

Formen, Rhythmen, Wiederholungen

Linien, Zeichen, Gitter, Raster, Kreise, Spiralen.
Sticken, Stricken, Weben, Spinnen, Beten, Atmen, Gehen.

Das serielle Arbeiten, die Wiederholung von Strukturen und die meditative Qualität des Tuns können vielleicht in der Tradition von Agnes Martin oder Hanne Darboven gesehen werden. Dyckerhoffs Werke sind keine statischen Kompositionen, sondern lebendige, prozesshafte Zustände – immer in Bewegung, immer auf der Suche.

Und am Ende beginnt alles von vorn: „Things I do while watching paint dry.“

https://www.isabelledyckerhoff.de

Vernissage
Freitag 14.03.25 18:00 Uhr.



Öffnungszeiten

Sa. 15.03. 15:00 – 18:00
So. 16.03. 15:00 – 18:00

So. 23.03. 15:00 – 18:00

So. 30.03. 15:00 – 18:00

Sa. 05.04. 15:00 – 18:00
So. 06.04. 15:00 – 18:00 (Finissage)

Ansonsten jederzeit von Aussen einsehbar!!

HOLYMOLY – Kunst zum Mitnehmen

Kunst und Engagement im raumB1

Liebe Kunstfreund:innen!

Unser ereignisreiches erstes Jahr als Betreiber des raumB1 neigt sich dem Ende zu, und wir blicken stolz auf spannende Monate als Ausstellungsmacher zurück. Unsere vielfältigen Projekte haben bei unseren Besucher*innen und Künstler*innen ausschließlich positve Resonanz gefunden und bestärken uns darin, auch 2025 mit einer breiten Palette künstlerischer Positionen die Kulturlandschaft am Westufer des Ammersees und darüber hinaus zu bereichern. Schon jetzt sind für 2025 mehrere spannende Ausstellungen in Vorbereitung.

Doch bevor es soweit ist, haben wir noch etwas Besonderes vor:

HOLYMOLY – Kunst zum Mitnehmen
An fünf Terminen im Dezember verwandelt sich der raumB1 zur Vorweihnachtszeit in einen alternativen Ort der Begegnung – stimmungsvoll, überraschend und inspirierend zugleich. Von Objekt und Skulptur über Malerei bis hin zu Fotografie stellen namhafte Künstler*innen ihre Werke aus. Eine Ausstellung voller wunderbarer Kunstwerke, die nicht nur zum Entdecken einladen, sondern auch direkt erworben und mitgenommen werden können!

Ein Teil des Erlöses fließt dabei in den Fortbestand des raumB1: Die Künstler*innen haben sich dazu entschlossen, einen Teil ihrer Einnahmen zu spenden, um unsere ehrenamtliche Arbeit zu unterstützen. So tragen die Besucher*innen mit dem Erwerb eines Kunstwerks aktiv dazu bei, die lokale Kunstszene zu fördern und eine lebendige Plattform für künstlerische Begegnungen zu sichern.

Auch ohne die Absicht, die private Kunstsammlung um ein besonderes Objekt zu erweitern, freuen wir uns auf Ihren Besuch. Wie bei allen Ausstellungen im raumB1 sind es die Begegnungen und der wertvolle Austausch über Kunst und Kultur, die einen wichtigen Teil unseres Engagements ausmachen.

Herzliche Grüße
das raumB1 Team

Start:
Sonntag, 1. Dezember 2024 (1. Advent),
14 – 18 Uhr – Glühwein, Feuer und Musik inklusive

Weitere Termine:
Samstag, 7.12., Sonntag, 8.12., Samstag, 14.12., Sonntag, 15.12.,
jeweils von 14 – 18 Uhr

Teilnehmende Künstler*innen:
Toni Braovac . Yorck Dertinger . Hannah Doepke . Frank Fienbork .
Diana Graham (Hans Dumler) . Claudia Hassel . Alexandra Hendrikoff .
Ele Kittl . Victoria Martini . Mario Milchbrantweinstätter . Mathias Neuhauser . Marius Polter . seba.

Marius Polter / HOLZ • KUNST

Vernissage: 01. November 2024, ab 19 Uhr

Liebe Kunstfreund:innen!

Nachdem wir den raumB1 im Oktober den Uttinger Ateliertagen zur Verfügung gestellt haben, geht es nun am 1. November bei uns weiter.
Der jüngste, aus unserer Reihe, Andi Dietz möchte euch seinen guten Freund Marius Polter vorstellen. 

Marius Polter, geboren 1986, ist im malerischen Schondorf am Ammersee in Oberbayern aufgewachsen, einer Region, die für ihre bereichernde Natur und reiche kulturelle Landschaft bekannt ist. Hier fand er früh seine Quelle der Inspiration, die ihn bis heute prägt.

Als jemand, der tief mit der Natur verbunden ist, bewegt sich Polter mit einer natürlichen Leichtigkeit in dieser Welt und schätzt den Austausch und die Begegnungen mit anderen Menschen. Sein feines Gespür für Formen, Strukturen und Stimmungen in der Natur bildet die Grundlage seines künstlerischen Schaffens, das er bereits seit frühester Kindheit mit einem ausgeprägten Gestaltungsdrang und großer Kreativität verfolgt. 

Sein künstlerisches Hauptmaterial ist Efeuholz, ein Naturprodukt, das oft unbeachtet bleibt, doch in Polters Händen eine neue Bedeutung erhält. Er erkennt in diesem Holz nicht nur seine Beschaffenheit, sondern liest darin eine eigene, einzigartige Formensprache. Durch geduldige und präzise handwerkliche Arbeit befreit er Figuren aus dem Holz, die oft überraschend und mitunter bizarr wirken. Ihre filigrane Struktur und Leichtigkeit stehen dabei im faszinierenden Kontrast zum robusten Material.


Seine Werke tragen eine seltene Dualität in sich: Sie strahlen zugleich Lebendigkeit und Ruhe aus, wodurch sie eine tiefe, meditative Präsenz entwickeln. Diese Spannung zwischen Bewegung und Stille, Dynamik und Fragilität, macht Polters Skulpturen zu etwas Einzigartigem. Die Figuren laden Betrachter ein, nicht nur zu staunen, sondern auch immer wieder neue Details und Interpretationen zu entdecken, wodurch jede Begegnung mit den Werken zu einem persönlichen Erlebnis wird.


Im Laufe des Novembers wird Marius Polter nicht nur seine Werke ausstellen, sondern an ausgewählten Tagen auch persönlich vor Ort sein. In der gemütlichen Atmosphäre am Holzofen wird er live schnitzen, sodass Besucher hautnah erleben können, wie seine einzigartigen Skulpturen entstehen.

Zur Vernissage sowie an diesen besonderen Tagen laden wir Sie herzlich ein, mit uns gemeinsam Zeit zu verbringen. Nutzen Sie die Gelegenheit, in entspannter Runde über die Kunst, das Material und all die Themen ins Gespräch zu kommen, die sich in dieser regionalen Begegnung ergeben. Wir freuen uns auf Ihren Besuch und den lebendigen Austausch!

Vernissage 


Freitag den 01.11.24 19:00 Uhr.


Öffnungszeiten

Sa. 02.09                   16:00 – 19:00 Uhr
Sa. 09.11                   16:00 – 19:00 Uhr
Sa. 16.11                   16:00 – 19:00 Uhr
Sa. 23.11                   16:00 – 19:00 Uhr

Ansonsten jederzeit von Aussen einsehbar!!

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Victoria Martini / Vom Verblassen der Bilder

Vernissage Freitag 16.08.2024 19 Uhr
PRÄSENTIERT VON JOERG STAEGER

www.fienbork-design.de

Liebe Kunstfreund*innen!

Im raumB1 in Utting geht es diesen Sommer nahtlos weiter, und wir freuen uns über eine Ausstellung mit der Künstlerin Victoria Martini, die erneut von Joerg Staeger kuratiert und präsentiert wird. 

Victoria Martini nutzt in ihrer Kunst ein eher unkonventionelles Medium: die Handstickerei. Diese traditionelle Technik, häufig mit häuslicher Handarbeit und historischer Textilkunst verbunden, hat Martini in über 20 Jahren zu einem Werkzeug für die Erkundung und Darstellung menschlicher Erfahrungen und sozialer Fragestellungen weiterentwickelt.
In Ihren Arbeiten thematisiert sie aktuelle politische und gesellschaftliche Themen unter anderem der immer sichtbar werdenden Auswirkungen von Globalisierung auf unsere Natur als auch der Digitalisierung unseres Lebens. Durch die aufwändige Technik der Handstickerei schafft sie einen Kontrapunkt, reflektiert Ereignisse und gibt ihnen auch auf einer zeitlich erfahrbaren Ebene ihren Raum zurück.

Victoria Martini – Vom Verblassen der Bilder

Im Jahre 1919 veröffentlichte Sigmund Freud einen Text über „Das Unheimliche“. Interessant daran erscheint, wie Freud die Bedeutungsherkunft des Unheimlichen nachvollzieht.
Zunächst war der Begriff heimlich gleichbedeutend mit heimisch, also vertraut. Da sich das in diesem Sinne Heimliche aber verdächtig dem Blick der Öffentlichkeit entzieht, entwickelte der Begriff seine uns heute geläufige, negative Konnotation. Das eigentlich Vertraute, Heimeliche, näherte sich mehr und mehr seinem Gegenteil an, dem Unheimlichen. Freud erläutert in seinem Text, dass der Umkehrschluss des Unheimlichen nicht das Gegenteil des heimlichen/heimeligen ist, sondern das das Unheimliche aus dem Vertrauten/Heimischen entsteht. Der Moment, in dem sich in uns Vertrautes in Unheimliches verwandelt, ist bedeutsam für das Thema der Serie „Vom Verblassen der Bilder“.

Die im Jahr 2016 begonnene Serie von Naturkatastrophen sollte damals ein Sinnbild des subtilen Gefühls der Bedrohung durch Nachrichtenströme sein und ist ein paar Jahre später schon Zeichen einer für uns alle näherrückenden bedrohlichen Lage geworden – dem durch uns Menschen verursachten Klimawandel.
Im Zeichen der Globalisierung in welchem sich die Dinge scheinbar für uns öffnen und wir mehr Einblick in das Geschehen der Zeit nehmen können, zeigt sich unsere Welt entfremdet, denn die Beschränktheit unseres eigenen Handlungsspielraumes wird uns mit dem Blick durch die mediale Berichterstattung bewusst. Die Flut an Bildern die täglich über unsere Bildschirme laufen, scheint überwältigend. Wir sind umzingelt von unheimlichen Bildern, die auf allen Kanälen in unser Heim, in unser Heimliches, drängen. Eine Nachricht reiht sich an die nächste, so ist der Titel der Serie auch unserer menschlichen Natur geschuldet, diese Schreckens-Bilder verblassen zu lassen. 

Victoria Martini beschäftigt sich schon seit mehr als 20 Jahren mit der Stickerei. Inspiriert werden Victoria Martini‘s Bilder durch alte botanische Illustrationen, Comics und Cartoons, aber auch Druckgraphische Werke alter Meister und anderer kunsthistorischer Quellen. Bilder werden collagiert und verfremdet, in Ihren Proportionen verzerrt und so in einen neuen Kontext gesetzt. Ihre Werkgruppen widmen sich häufig den Zyklen des Lebens, dem Werden und Vergehen, die durch den Lichteinfall auf das Bild selbst dem zyklischen Prozess des Lichtes (Tag und Nacht) beeinflusst werden. So erscheinen die Bilder der Serie „Vom verblassen der Bilder“ in jedem Licht anders, schillernd und schimmernd und verändern sich im Laufe des Tages und beschreiben damit den Zyklus eines Tages und den Lebenszyklus allen Natürlichen. Victoria Martini hat freie Malerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart, studiert und war an zahlreichen Ausstellungen in Galerien und Museen beteiligt. 

www.victoriamartini.net

Vernissage Freitag den 16.08.24 19:00 Uhr.

Öffnungszeiten
So. 18.08.  16:00-19:00 Uhr
So. 25.08.  16:00-19:00 Uhr
So. 01.08.    16:00-19:00 Uhr

Finissage Samstag den 07.09.24 19:00 Uhr
(Gespräch mit der Künstlerin)

Ansonsten jederzeit von Aussen einsehbar!!

Daniel Goehr / SugarGrail

PRÄSENTIERT VON JOERG STAEGER

Ansprache zur Vernissage am Freitag 19.07.2024 19:00

Eröffnungsansprache (Foto: Yorck Dertinger)

Liebe Kunstinteressierte,
liebe Freunde,
herzlich willkommen im raumB1.
Mein Name ist Joerg Staeger. Ich bin einer der drei Betreiber des raumB1. Heute habe ich die besondere Freude, Ihnen den Künstler und guten Freund Daniel Goehr vorzustellen. Daniel Goehr ist ein Bildhauer, und arbeitet somit hauptsächlich dreidimensional. Da seine Werkreihen Themen behandeln, die sich ständig ineinander verschränken und aufeinander beziehen, möchte ich seine Arbeit lieber als multidimensional und vielschichtig beschreiben. Es geht um Mythen, Legenden, Abenteuer und Heldenreisen. Jemand fragte mich, ob Daniel ein Mittelalter Fan sei. Diese Frage konnte ich nicht beantworten, aber Sie können ihn das sicher gleich selbst fragen.

Ich weiß jedoch, dass Daniel sich für eine Idee interessiert, die als Monomythos bekannt ist. Dieser Begriff wurde von dem amerikanischen Mythenforscher Joseph Campbell geprägt. Der Monomythos beschreibt nicht nur die Struktur von mythologischen Erzählungen, sondern auch von modernen Geschichten in Literatur und Film. Viele berühmte Werke wie “Star Wars”, “Der Herr der Ringe” und “Harry Potter” folgen dem Muster der Heldenreise. Campbell argumentierte, dass diese universelle Struktur tief in der menschlichen Psyche verwurzelt ist und unsere kollektiven Träume, Ängste und Hoffnungen widerspiegelt.

Daniel greift diese Idee in verschiedenen Aspekten auf. Er zerlegt und rekonstruiert Fragmente, die aus uralten Erzählungen stammen könnten, aber auch aus Computerspielen, oder sind es vielleicht  Kulissen aus dem Theater oder Filmen? Goehr`s Praxis ist verwurzelt in der Auseinandersetzung mit der Erinnerung an Oberflächen, Materialien, Formen und Funktionen aus der Zeit des Heranwachsens, der Adoleszenz. In jedem Fall hinterfragen seine Arbeiten das Streben nach übermenschlicher Stärke, materiellem Reichtum, dauerhaftem Glück, individueller Erleuchtung und Allmachtsfantasien.

Besonders bemerkenswert sind die Werkstoffe, die in dieser Ausstellung Verwendung finden. Sie könnten  gegensätzlicher nicht sein. Auf der einen Seite arbeitet Goehr mit Hartschaum aus der Bauindustrie. Bei entsprechender Lagerung hält das Material fast eine Ewigkeit. Daniel beschreibt es als das Material des Erdöl-Jahrhunderts.  Dem gegenüber steht die Vergänglichkeit und Zerbrechlichkeit von Zucker. Zucker als Material verändert sich im Laufe der Zeit, schmilzt oder zerbricht, was die Vergänglichkeit und den ständigen Wandel betont. Vielleicht ist es so, dass von der Zeit, von der menschlichen Existenz nur Ruinen übrig bleiben, während essentielle Informationen in Erzählungen zeitlos weiterleben können.

Seine neue Serie betitelt Daniel mit „SugarGrail“.  Übersetzt bedeutet dies „Zuckergral“. In der Literatur wird der Gral oft als geheimnisvolles, heiliges Gefäß dargestellt, dem übernatürliche Kräfte zugeschrieben werden. Die Kelche von Daniel bestehen komplett aus Zucker, und sollen fragile Symbole für die Suche nach Wissen und Weisheit sein, und daran erinnern, dass Erleuchtung und Erkenntnis oft von zerbrechlicher und vergänglicher Natur sind. Gießformen sind ein zentrales Werkzeug im künstlerischen Prozess, wenn mit Zucker gearbeitet wird. Diese Formen bieten die Möglichkeit, detaillierte und komplexe Strukturen zu erschaffen.  Mithilfe selbstgebauter Gießformen schafft Daniel Goehr seine fragilen Objekte und wird während der Ausstellungsdauer vor Ort weiter neue Objekte gießen. Um uns seine neue Serie „SugarGrail“ vorzustellen, hat er den raumB1, wie er es beschreibt, in einen Zufluchtsort für Reisende, Suchende, Abenteurer und Helden verwandelt. Dieser Ort lädt dazu ein, sich zu begegnen, zu reflektieren und sich auszutauschen, bevor jeder wieder seiner ganz persönlichen Heldenreise nachgeht. Treten Sie ein, verweilen Sie, und kosten Sie unbedingt vom Kelch der Erkenntnis.
Joerg Staeger, im Juli 2024

Daniel Goehr / SugarGrail

Joerg Staeger präsentiert:

Liebe Kunstfreund:innen,
im raumB1 in Utting geht es Schlag auf Schlag. Die nächste spannende Ausstellung steht bereits in den Startlöchern, und wir freuen uns, Ihnen das kommende Projekt vorstellen zu dürfen, kuratiert von Joerg Staeger:

Der Bildhauer Daniel Goehr, Absolvent der Akademie der Bildenden Künste München (Prof. Stephan Huber), verwandelt das ehemalige Fremdenverkehrsamt am Bahnhof in Utting in einen Zufluchtsort für Reisende, Suchende, Abenteurer und Helden. Dieser Ort lädt dazu ein, einzukehren, zu verweilen und vom Kelch der Erkenntnis zu kosten.
Erleuchtung, Adoleszenz, Mythen und Legenden, Abenteuer und Heldenreisen sind Themen, die in Goehrs Arbeit anklingen. Diese vielfältigen Facetten verdeutlichen die Vielschichtigkeit und Tiefe der Interpretation des Begriffs “Gral”. Jede Facette bietet eine einzigartige Perspektive auf das uralte Symbol und seine Bedeutung in unterschiedlichen Kontexten der menschlichen Erfahrung.

Daniel Goehr verwendet häufig Zucker als Material für seine Skulpturen und Multiples. Vergänglichkeit und Zerbrechlichkeit von Zucker verleihen den Kunstwerken eine besondere Tiefe.  Zucker ist ein Material, das sich im Laufe der Zeit verändert, schmilzt oder zerbricht, was die Vergänglichkeit des Lebens und die ständige Veränderung betont.

Gießformen sind ein zentrales Werkzeug im künstlerischen Prozess, wenn mit Zucker gearbeitet wird. Diese Formen bieten die Möglichkeit, detaillierte und komplexe Strukturen zu erschaffen. Mithilfe selbstgebauter Gießformen schafft Daniel Goehr fragile Objekte, die sich mit den Themen Heroismus, Kindheit und Vergänglichkeit auseinandersetzen.

Vom 19. Juli .bis 11. August 2024 wird der Künstler im Raum B1 in Utting seine neue Serie SugarGrail vorstellen und mehrmals während der Ausstellungsdauer vor Ort neue Objekte gießen.

Die Heldenreise ist ein universales Erzählmuster, das tief in der menschlichen Psyche verwurzelt ist. In der Literatur wird der Gral oft als geheimnisvolles, heiliges Gefäß dargestellt, dem übernatürliche Kräfte zugeschrieben werden. Innerhalb der Heldenreise symbolisiert der Kelch die Suche nach Wissen, Weisheit und Erleuchtung.

Goehr`s neue Serie SugarGrail veranschaulicht diese Suche und die Momente der Erkenntnis und des persönlichen Wachstums. Die Werke sind fragile Symbole für die Weisheit, die Helden auf ihren Reisen erlangen, und erinnern daran, dass Erleuchtung oft von zerbrechlicher und vergänglicher Natur ist.

Goehr`s Praxis ist tief verwurzelt in der Auseinandersetzung mit der Erinnerung an Oberflächen, Materialien, Formen und Funktionen aus der Adoleszenz. Durch Dekonstruktion und Rekonstruktion schafft er neue Bedeutungen und Narrative. Zucker, ein flüchtiges Genussmittel, symbolisiert die Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit von Erinnerungen und Emotionen.

Wir freuen uns schon auf Ihren/Euren Besuch, um gemeinsam herauszufinden, welche Weisheiten SugarGrail enthüllen kann!

www.daniel-goehr.de

Vernissage 19.07.24 19:00 Uhr.

Öffnungszeiten
Sa. 20. / So. 21 07.  16:00-19:00 Uhr
So. 28.07.  16:00-19:00 Uhr
So. 04.08.    16:00-19:00 Uhr
So. 11.08. Finisage ab 16:00 Uhr
Ansonsten jederzeit von Aussen einsehbar!!